Почему дизайн – не искусство?

«Задача художника не в том, чтобы доставлять эстетическое удовольствие – для этого есть дизайнеры, – а в том, чтобы, немного отстранившись от мира, попытаться его осмыслить или высказаться о нем при помощи идей, единственное назначение которых – быть идеями.»
«… художнику самому решать, что является произведением искусства, а что нет. Если художник, сознавая контекст и смыслы объявил свою работу произведением искусства, то так оно и есть.»
«Проблема не в том, является данное произведение шедевром или нет, – ее за нас решит время. Важнее понять, как и почему данное произведение вписывается в историю искусства. В этом и заключается парадокс нашего флирта с современным искусством: с одной стороны, миллионы людей посещают Центр Помпиду, нью-йоркский Музей современного искусства и галерею Тейт в Лондоне, но, с другой стороны, самый частый комментарий в разговорах о современном искусстве звучит так: Ой, я же совсем в этом не разбираюсь».
«Действительно, вынести эстетическое суждение не всегда просто. История искусства содержит массу примеров того, как искусство вызывало общественный гнев. Такой была первая реакция на «Голову быка» Пикассо. Но сегодня никто не сомневается в том, что эта работа имеет эстетическую ценность. Неужели мы, публика, просто привыкли к этому произведению, когда постепенно прошел «шок новизны»? Как говорил Дюшан: Если изображение не шокирует, оно ничто.»
«Требуется время для развития таланта, пока не появится фирменный, узнаваемый стиль. Лишь когда художник обрел собственный голос, становится возможен диалог со зрителем, выстраивание договоренностей с ним и дальнейшее развитие контактов.»
«Мне доводилось интервьюировать гениальных художников, заслуженно уважаемых за ум, интуицию и красоту работ. Но почему-то стоит микрофону оказаться у них под носом, вся эта ясность куда-то улетучивается. И уже спустя полчаса, полного придаточных предложений, уточняющих оборотов и витиеватых метафор, ты не только не приближаешься к пониманию смысла работ интервьюируемого, но сильно от этого смысла удаляешься.»
(с) Гомперц Уилл, Непонятное искусство. От Моне до Бэнкси.
Уилл Гомперц – редактор отдела искусств Би-Би-Си. До этого назначения в 2009 году он в течение семи лет работал директором по медиатехнологиям лондонской галереи Тейт, самого посещаемого и влиятельного музея современного искусства в мире. По результатам опроса журнала Creativity Magazine (New York) был назван в числе «50 самых креативно мыслящих людей мира».

Цитата из эссе Пола Рэнда, Мысли о дизайне:
«Анализируя (разбивая сложный материал на простейшие компоненты по категориям «как», «зачем», «когда» и «где»), дизайнер формулирует задачу.
В связи с тем, что рекламное искусство в итоге направлено на зрителя и целью рекламы является воздействие на него, задача дизайнера оказывается двухчастной:
принять во внимание реакцию зрителя
и учесть собственные эстетические потребности.
Таким образом дизайнер должен найти средство коммуникации, общее для себя и зрителя (условие, о котором не думает живописец-станковист).»
(с) Пол Рэнд, Мысли о дизайне
Пол Рэнд — выдающийся американский арт-директор и дизайнер. Влияние Рэнда на индустрию дизайна огромно. Благодаря его работе в области рекламы и графики профессия дизайнера стала значимой и ценной для бизнеса, дизайнеры перестали восприниматься как обычные оформители.
Пол Рэнд стал известен благодаря работе над логотипами крупных компаний. Среди его клиентов IBM, UPS, Enron, Morningstar, Westinghouse, ABC, и проект Стива Джобса NeXT.

Живопись есть искусство, и искусство в целом не есть бессмысленное созидание произведений, расплывающихся в пустоте, а целеустремленная сила; она призвана служить развитию и совершенствованию человеческой души.

Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу. 
Таким образом ясно, что гармония красок может основываться только на принципе внутренней необходимости — целесообразного затрагивания человеческой души.
Внутренняя необходимость возникает по трем причинам. Она создается тремя необходимостями:
1) каждый художник, как творец, должен выразить то, что ему свойственно (индивидуальный элемент),
2) каждый художник, как дитя своей эпохи, должен выразить то, что присуще этой эпохе (элемент стиля во внутреннем значении, состоящий из языка эпохи и языка своей национальности, пока национальность существует, как таковая),
3) каждый художник, как служитель искусства, должен давать то, что свойственно искусству вообще (элемент чисто и вечно художественного, который проходит через всех людей, через все национальности и через все времена; этот элемент можно видеть в художественном произведении каждого художника, каждого народа и каждой эпохи; как главный элемент искусства он не знает ни пространства, ни времени).

Прекрасно то, что возникает из внутренней душевной необходимости. Прекрасно то, что прекрасно внутренне.
Чем свободнее абстрактный элемент формы, тем чище и притом примитивнее его звучание.
Но есть нюанс: Как только зритель чувствует себя в области сказки, он немедленно становится невосприимчивым к сильным душевным вибрациям. И в результате цель произведения сводится к нулю. Поэтому должна быть найдена форма, которая, во-первых, исключила бы сказочную атмосферу и, во-вторых, ни в какой мере не задерживала бы чистого воздействия краски.
Последним абстрактным выражением в каждом искусстве является число.
В действительности же не та картина "хорошо написана", которая верна в своих ценностях или которая почти научным образом разделена на "холодное" и "теплое", а та картина хорошо написана, которая живет внутренне полной жизнью. Также и "хорошим рисунком" является только такой, в котором ничего не может быть изменено без того, чтобы не разрушилась эта внутренняя жизнь совершенно независимо от того, противоречит ли этот рисунок анатомии, ботанике или другой науке.

Художник должен прежде всего признать свой долг по отношению к искусству, а значит и к самому себе; считая себя не господином положения, а служителем высшим целям — служить развитию и совершенствованию человеческой души.
Он должен воспитывать себя и научиться углубляться, должен прежде всего культивировать душу и развивать ее, чтобы его талант стал облачением чего-то, а не был бы потерянной перчаткой с незнакомой руки - пустым и бессмысленным подобием руки.

Существенное же в разговоре состоит в сообщении идей и чувств. Так же следовало бы относиться к художественному произведению.
В заключение мне хочется сказать, что, по-моему, мы все более приближаемся к эре сознательного, разумного композиционного принципа; что художник скоро будет гордиться тем, что сможет объяснить свои произведения, анализируя их конструкцию (в противоположность чистым импрессионистам, которые гордились тем, что ничего не могли объяснить); что мы уже сейчас стоим на пороге эры целесообразного творчества.
(с) Кандинский В. В, Точка и линия на плоскости. О духовном в искусстве. Ступени. Текст художника
Кандинский В. В — русский художник и теоретик изобразительного искусства, стоявший у истоков абстракционизма. Один из основателей группы «Синий всадник».
Василий Кандинский выбрал карьеру живописца достаточно поздно — в тридцать лет. Он стал известным авангардистом и одним из основоположников беспредметного искусства. Сегодня полотна Кандинского — в числе самых дорогих картин русских художников.