В период Высокого Возрождения (1490-1527) итальянские художники начали отвергать нереалистичные формы изобразительного средневекового искусства в пользу более натуралистического подхода. В авангарде этой тенденции Микеланджело создавал скульптуры, в которых особое внимание уделялось балансу, деталям и реалистичному, хотя и идеализированному подходу к изображению человека.
В сцене Пьеты (оплакивания) изображена Дева Мария, держащая мертвое тело Христа после его распятия и снятия с креста, но до того, как его поместили в гробницу. Это одно из ключевых событий из жизни Девы, известное как Семь Скорбей Девы Марии, которое было предметом религиозных молитв католиков. Сюжет, вероятно, был известен многим, но в конце пятнадцатого века он был изображен в произведениях искусства чаще во Франции и Германии, чем в Италии.
Это было особенное произведение искусства даже в эпоху Возрождения, потому что в то время многофигурные скульптуры были редкостью. Две фигуры вырезаны таким образом, что они образуют единую композицию, которая образует форму пирамиды, что также одобряли другие художники эпохи Возрождения (например, Леонардо да Винчи).
Изучение каждой фигуры показывает, что их пропорции не совсем естественны по отношению друг к другу. Хотя их головы пропорциональны, тело Девы Марии больше тела Христа. Кажется, она такая большая, что, если она встанет, то, скорее всего, будет возвышаться над своим сыном. Причина, по которой Микеланджело сделал это, вероятно, заключалась в том, что это было необходимо для того, чтобы Дева могла поддерживать своего сына на коленях; будь ее тело меньше, ей было бы очень трудно или неловко держать взрослого мужчину так же грациозно, как она. И хотя большинство историков искусства считают, что диспропорция - вопрос перспективы, существует другая, более любопытная теория, которая восходит к традиции Веспербильда (Vesperbild), в котором маленький масштаб Иисуса отражал писания немецких мистиков, которые считали, что Дева, в агонии своего горя, воображала, что она держит Христа в младенчестве.
В своей крайней печали и опустошении Мария, кажется, смирилась с тем, что произошло, и ее образ исполнен принятия. Талант Микеланджело здесь виден не только в тонко исполненной драпировке, но и в психологизме: скульптура сохраняет нежность, несмотря на очень трагический характер этой сцены. Это момент, когда Дева Мария сталкивается с реальностью смерти своего сына. В своей крайней печали и опустошении она, кажется, смирилась с тем, что произошло, и мы ощущяем ее принятие случившегося. Христос тоже изображен почти так, как будто он мирно спит. В целом эти две фигуры прекрасны и идеализированы, несмотря на свои страдания.
Это отражает веру Высокого Возрождения в неоплатонические идеалы, что красота на земле отражает красоту Бога, поэтому эти красивые фигуры повторяли красоту божественного.
Когда произведение было завершено в 1499 году, оно было встречено подавляющим большинством хвалебных отзывов. Скульптура стала настолько знаменита, что, опасаясь, чтов его авторство не поверят, Микеланджело, который известен тем, что никогда не подписывал свои работы, написал на ней свое имя. По словам Вазари, художник услышал, как зрители ошибочно приписывают произведение другом художнику, поэтому «однажды ночью он заперся там [в соборе Святого Петра], принес немного света и свои долота, и вырезал на ней свое имя ».