Работа художника с натурой - довольно позднее методическое изобретение. Систематически художники начали работать с натурой только в эпоху Возрождения. Леонардо да Винчи был чуть ли не первым художником, занимавшимся анатомией человека с позиций живописца. Да и прямая перспектива как необходимое правило появляется в живописи тогда же.
В Средние века особо достойным отражения считался мир божественный. Естественно, художник его отражал так, как сам понимал, как его прозревал, как описывали священные тексты и учителя церкви, как было принято в рамках того или иного канона. Знакомство с натурой требовалось лишь на этапе обучения.
Дальнейшее развитие живописи (и графики) показало, что в тот момент, когда художник стремится отразить на полотне свои образы, свои фантазии, свои идеи, натуру привлекают лишь в крайнем случае. И то в качестве вспомогательного средства. Так даже в 19 веке многие художники эскизы выполняли с натуры, но потом всю композицию выстраивали свободно, не привязываясь к натуре.
Тем более художники 20 века с их принципиальной приверженностью идеям, вплоть др абстракций. Ну откуда могли взять натуру для своих композиций (не всех) С. Дали или Р. Магрит, П. Мондриан или В. Кандинский.
Потому, глядя сегодня на ту или иную живописную работу, видишь превалирование в ней идеи или реальности. В первом случае даже реалистическое изображение чаще воссоздаётся по памяти и наброскам и помещается в общую композицию, созданную воображением. Во втором случае даже для фигур идеального мира требуется реальная натура.
Возьмите, например, Эль Греко. Нелепо было бы предполагать, что у всех героев его полотен непропорционально вытянутые лица и фигуры. Однако, памятуя о его иконописных истоках, зритель полагает в его картинах немалую долю идеальности. Потому и спокойно мирится с пропорциональным своеобразием.